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Por Alejandro Varderi  

A cerimónia deste ano ficará nos anais da Academia como a mais suigéneris, não só pelas circunstâncias da sua atuação, como resultado da emergência global da Covid-19, mas também pela falta de motivação dos participantes . Algo que se pôde constatar na banalidade dos discursos de aceitação, cheios de banalidades e slogans de panfletos que visam "satisfazer" as minorias étnicas. Como se Hollywood quisesse colocar todos na mesma sacola e dar a eles as estatuetas em grupo agora, quando praticamente ninguém viu os filmes premiados, e muito menos na tela grande, em um ato com pouquíssimo público e ainda menos espectadores.

De fato, a jovem cineasta chinesa Chloé Zhao ganhou com "Nomadland" uma estatueta dupla, de direção e melhor filme, enquanto a atriz coreana Youn Yuh-jung ganhou o prêmio de melhor atriz coadjuvante por "Minari", dirigido por norte-americano coreano cineasta Lee Isaac Chung. Já o ator britânico de origem ugandense Daniel Kaluuya, recebeu o Oscar de melhor ator coadjuvante por sua atuação no filme “Judas e o Messias Negro”, dirigido pelo diretor afro-americano Shaka King. E o produtor e filantropo afro-americano Tyler Perry foi homenageado com o Prêmio Humanitário Jean Hershold por seu trabalho em prol de crianças carentes.
Uma parte da Union Station, estação ferroviária central de Los Angeles, foi adaptada como espaço para a cerimônia, que contou com a presença apenas dos atores indicados, sentados em mesas espaçadas e protegidos com máscaras quando não estavam diante das câmeras. Na verdade, a produção do anêmico show, idealizado pelo diretor Steven Soderbergh, espelhava as cerimônias das primeiras décadas, quando o Oscar era realizado em um salão de banquetes, com os indicados jantando em mesas semelhantes a essas.

Parte da rigidez da época se refletiu no desenvolvimento da cerimônia, que em nenhum momento fluiu espontaneamente, mas estagnou desde o início, com interpretações das canções nomeadas pré-gravadas para subtrair qualquer indício de naturalidade. Isso foi agravado pela politização e hipocrisia da chamada “inclusão” que, claro, não é tal, já que o fosso entre a pobreza extrema e a riqueza ilimitada continua a aumentar exponencialmente; bem como racismo, homofobia e sexismo em nível global.
E se no passado os Oscars eram uma ode ao escapismo e à ilusão cinematográfica, hoje são uma plataforma para gritar e expressar queixas para gerar outro tipo de ilusão: a compaixão para com quem sofre injustiças devido à cor da pele, o seu sexo ou sua escolha de vida. Até os comentários de abertura, da atriz afro-americana Regina King sobre as consequências da pandemia, sofreram do tom esperançoso para quem ainda não tem acesso às vacinas ou às condições mínimas de sobrevivência em sociedades menos privilegiadas.

O poder midiático das plataformas digitais também foi sentido na seleção dos filmes indicados, tirando os grandes estúdios dos holofotes. Nesse sentido, a Netflix liderou a noite com 36 indicações divididas entre filmes como “Mank”, dirigido por David Fincher, “The Trial of the Chicago 7”, dirigido por Aaron Sorkin, e “Ma Rainey's Black Bottom”, de George C. Wolfe . "Nomadland" estreou no Hulu, "Sound of Metal" do diretor Darius Marder, vencedor do prêmio de melhor edição e som, estreou na Amazon, e "Judas and the Black Messiah" foi ao ar pela HBO.
Tudo isso pressagia um futuro muito diferente para o cinema de Hollywood, que terá que se curvar às demandas da era digital para sobreviver. Uma realidade que a pandemia tornou mais tangível, ao separar ainda mais quem tem acesso à internet, e portanto pode trabalhar remotamente e viver virtualmente, daqueles que precisam sair às ruas para obter o seu sustento diário, com o consequente risco de ficar. doente ou perdendo seus empregos se não o fizerem.
"Nomadland" responde a muitas dessas preocupações no futuro dos norte-americanos que subsistem como as antigas tribos nômades, sem raízes e sem fronteiras, movendo-se em seus caminhões de um ponto a outro do país. Fern (Frances McDormand, Oscar de melhor atriz) perde o emprego no setor industrial e decide transformar o caminhão de sua casa para ir trabalhar onde é contratada temporariamente, vivendo em comunidades com pessoas em situação semelhante. Isso permitiu ao diretor mostrar a realidade de quem existe à margem do sistema, criando laços emocionais temporários com aqueles que "se reencontrarão em algum outro ponto do caminho", como indica um dos protagonistas e seguidores deste forma de sobrevivência.
A combinação do ficcional com o documentário, a utilização de atores não profissionais e o trabalho de câmera capaz de contrastar os grandes panoramas da paisagem com os frames fechados da protagonista em sua casa sobre rodas, deram dinamismo ao filme e possibilitaram a o espectador valoriza o pessoal em vez do comercial. Assim, a estreia do filme foi realizada ao ar livre em uma dessas comunidades e os moradores foram convidados a participar, relatando suas experiências pessoais, junto com o diretor e os atores. Isso gerou um alto grau de cumplicidade, enfatizado pelo comportamento dos envolvidos no filme; especialmente McDormand, que incluiu copos, pratos e outros itens de sua própria família em sua casa motorizada.
A força da família e sua influência no comportamento de cada um de seus membros tiveram em “Minari”, vencedor do Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro e indicado ao Oscar de melhor filme, um desenvolvimento emocional e pessoal, pela mão de seu diretor Lee Isaac Chung, indicado para melhor diretor, que reviveu sua infância em uma fazenda em Arkansas com ela. O filme gira em torno dos altos e baixos de uma família coreana transplantada para o interior da América para se dedicar ao cultivo de vegetais e ervas de seu país. O uso do coreano e do inglês deu à produção um duplo pertencimento, embora não tenha aprofundado as diferenças entre as duas culturas; especialmente no que diz respeito à percepção do outro.
Na verdade, o racismo norte-americano, principalmente nos estados do sul, limitava-se ao anedótico, ao invés do filme privilegiando a interação entre os familiares. Aqui, o poder do conto e o bom uso do humor foram fundamentais para o desenvolvimento da diegese. Nas palavras do diretor: “Cresci sentindo que os grandes obstáculos a superar tinham mais a ver com a sobrevivência em família e menos com as relações externas que tínhamos com a comunidade. O racismo existia e eu vivi alguns incidentes terríveis, mas quando penso naqueles dias, é mais sobre a fazenda e as dificuldades de convivência. "
O contraste entre as cenas externas e as tomadas internas ativou a ação fílmica, permitindo ao público confrontar seus medos e lutas com o meio ambiente, além de levá-lo a um retorno à dinâmica pessoal com o grupo familiar e seus membros. Algo que "O Pai" - dirigido pelo diretor e autor francês Florian Zeller a partir de sua própria peça - sintetizou na relação entre um pai com um princípio de demência - interpretado por Anthony Hopkins, Oscar de melhor ator - e sua filha (Olivia Colman , indicada para melhor atriz coadjuvante).
Zeller conseguiu transferir com sucesso sua obra do palco para a tela, mantendo a densidade dos diálogos e, principalmente, dos monólogos do pai, obtendo o Oscar de melhor roteiro adaptado. A utilização da câmara omnisciente, movendo-se pelas diferentes divisões do apartamento desde o olhar do protagonista para se orientar no mundo labiríntico do inconsciente, criou a ilusão cinematográfica num ambiente de grande riqueza cromática, potenciado por uma cinematografia que privilegiou cores quentes para amenizar o trânsito da vida em plenitude, rumo ao desconhecido de perder o controle de si mesmo. Algo que o próprio Hopkins sentiu muito de perto: “Eu sabia fazer porque agora estou tão velho. Tenho 83 anos e entendi muito bem o papel. Foi muito fácil atuar ”.
Outro filme indicado que girou em torno de uma figura masculina foi "Mank", com Gary Oldman (indicado ao prêmio de melhor ator) no papel de Herman J. Mankiewicz, quando teve a responsabilidade de escrever, junto com Orson Welles, o roteiro de "Citizen Kane "(1941). Os demônios internos do autor e sua relação próxima com Randolph Hearst (Charles Dance) e Marion Davis (Amanda Seyfried, indicada para melhor atriz coadjuvante) são explorados em um filme que recupera Hollywood da época de ouro.
O preto e branco da cinematografia - que foi feita com a estatueta -, a profundidade dos quadros, o uso do plano cortado e os ângulos amplos espelham as técnicas do filme de Welles (interpretado por Tom Burke), com quem Mankiewicz entrou contestado, pois afirmava ter sido o autor da maior parte do roteiro (o único Oscar concedido ao filme na época).
As rachaduras do passado dão ao realizador a oportunidade de situar Mankiewicz no contexto que lhe permitiu escrevê-lo, dissipando qualquer sombra de dúvida quanto à sua autoria. O contato com os donos dos grandes estúdios, a proximidade com Hearst e Davis - era frequentemente convidado para Saint Simeon, a enorme mansão do publicitário - e conhecimentos de bastidores e intrigas de Hollywood, proporcionaram-lhe a experiência que Welles , chegando de Nova York a Hollywood pela primeira vez, ele não tinha, e sem o qual teria sido impossível escrever o roteiro; apesar de Welles insistir em ser o autor principal, traindo assim a confiança que Mankiewicz havia depositado nele.
Dois filmes igualmente indicados que falam sobre traições, embora menos pessoais, foram "O Julgamento de Chicago 7" e "Judas e o Messias Negro". O primeiro recria a perseguição de sete ativistas proeminentes, acusados ​​de incitar à violência contra a Convenção Nacional Democrata de 1968 em Chicago, por protestar contra a Guerra do Vietnã.
O filme de Aaron Sorkin, também autor do roteiro indicado ao Oscar de melhor roteiro original, manteve a tensão dos embates entre o judiciário e os ativistas, por meio de uma intensa encenação que enfatizou os jogos de tiro contra tiro, com um trabalho ágil de câmera principalmente nas cenas de confrontos entre a sociedade civil e as forças repressivas do Estado. Uma realidade muito atual, não só nos Estados Unidos, mas em muitas outras nações, dado o avanço do absolutismo e das intolerâncias contra quem não se curva aos desígnios de quem detém o poder.
Os paralelos entre o passado e o presente foram expostos com muita veracidade na composição dos quadros dentro e fora do Tribunal onde os ativistas foram julgados, com as câmeras de notícias, os manifestantes com suas faixas gritando seus slogans e os corpos de segurança atrás de seus escudos e armas. Ou, nas palavras do diretor, referindo-se a casos muito próximos de repressão, especialmente contra pessoas de cor: “com o tiroteio de Breonna Taylor e Ahmaud Arbery e a morte de George Floyd, os protestos se dissolveram com gás lacrimogêneo e paus, e acusações sobre cabe ao governo rotular os que protestaram de antiamericanos, anarquistas e comunistas quando, na realidade, são patriotas ”.
“Judas and the Black Messiah”, por sua vez, focou na traição da qual Fred Hampton (Daniel Kaluuya) foi vítima nas mãos de William O'Neal (Lakeith Stanfield, nomeado para melhor ator coadjuvante), um informante do FBI, quem ele procurou se livrar do líder carismático dos Panteras Negras como "o maior perigo para nossa segurança nacional". Como em "The Trial of the Chicago 7", este filme nos leva de volta a um presente de brutalidade policial, racismo e lutas de grupos oprimidos para se libertarem. E aqui é interessante destacar o importante papel que o movimento Pantera Negra desempenhou na conscientização sobre raça e no empoderamento da população negra norte-americana, durante a turbulenta mas positiva para as minorias, os anos sessenta do século passado.
O filme de Shaka King, que também co-escreveu o roteiro original indicado ao Oscar com Will Berson, remonta àqueles anos e incorpora material documental da época à diegese, trazendo para nossa contemporaneidade a profunda divisão racial de um não-assim Há muito tempo. Desde as décadas em que os afro-americanos eram linchados publicamente como um show. Ao mesmo tempo, o filme educa as novas gerações e resgata o importante papel que a geração dos anos XNUMX teve em proporcionar igualdade social e mais oportunidades de formação à população de cor. De acordo com King: “muitos veem o filme como uma ferramenta potencial para educar a geração mais jovem”. Algo que o próprio Daniel Kaluuya vivenciou ao preparar seu personagem, pois sentiu que “Fred falava através de mim. Naquela época, ele estava capacitando as pessoas. "
A produção cuidada, a utilização de grandes closes, uma fotografia que privilegiava o claro-escuro procurando recuperar a escuridão dos acontecimentos históricos, e uma cinematografia muito ajustada à época, deram ao filme o seu poder de magnetizar a atenção de um espectador aberto. às diferenças. Uma certeza que esta cerimônia, vista e não vista, tentou transmitir, mas falhou. No entanto, ficamos com um sólido conjunto de filmes que pavimentam o caminho para uma nova Hollywood, muito diferente daquela deixada para trás pela pandemia.

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