Se a cerimônia do Oscar tivesse perdido brilho e audiência desde a pandemia, seria de se esperar que em um ano tão crucial para a indústria, que foram as duas greves simultâneas que a paralisaram por meses e a ameaça das novas tecnologias, especialmente as maléficas do uso da inteligência artificial , a comunidade artística teria feito mais do que lhe cabia para transmitir as urgências contemporâneas. Mas, além do grito do apresentador Jimmy Kimmel aos trabalhadores nos bastidores que apoiaram a greve, houve pouco eco dela, dissolvendo o resto da noite em piadas de mau gosto, performances previsíveis e, em sua maioria, discursos de aceitação sem imaginação.
Repetindo uma apresentação que não resultou nas cerimónias anteriores porque prolongou demasiado a noite, um vencedor do passado falou, como era de esperar, questiona-se sobre cada nomeado sem realmente dizer nada, a tal ponto que Jennifer Lawrence nem demonstrou um ligeiro entusiasmo Ao elogiar, parecia que por obrigação e sem nenhum convencimento, a Lily Gladstone, a primeira nativa americana a ganhar um Globo de Ouro de melhor atriz e ser indicada ao Oscar na mesma categoria. Apenas Jonathan Glacer, diretor de “A Zona de Interesse”, Oscar de melhor filme estrangeiro, denunciando a violência em Gaza; e Mstyslav Chernov, o realizador ucraniano de “20 Dias em Mariupol”, vencedor do melhor documentário, protestando contra os massacres devido à ocupação russa do seu país, teve um certo significado. Ryan Wosling, indicado ao prêmio de melhor ator coadjuvante por “Barbie”, cantando uma das músicas indicadas em uma exibição de bom gosto do kitsch típico das bonecas Mattel, também conseguiu mobilizar o público por alguns minutos, despertando-o do torpor e apagando-o. o sorriso congelou em seus lábios durante a maior parte da noite.
“Oppenheimer”, favorito da crítica e do público, ganhou sete estatuetas, incluindo melhor direção, melhor filme, melhor ator (Cillian Murphy) e melhor ator coadjuvante (Robert Downey Jr.), num tour de force para Murphy no papel do arquiteto de a bomba atômica, tão presente no mundo hoje como instrumento de intimidação de autocratas como Putin e Kim Jong Un. Sob a direcção de Christopher Nolan, o processo de concepção, construção e utilização desta arma de destruição maciça assumiu sinais de perigo iminente antes e agora, captando com precisão os compromissos e interesses dos grupos de poder para obter o controlo do dispositivo nuclear que, Comprovado seu efeito, saiu das mãos de seu inventor; embora Oppenheimer tenha sido culpado, julgado e condenado ao ostracismo por aqueles que o pressionaram a continuar seus experimentos. É interessante destacar aqui que o aparelho jurídico norte-americano era então muito eficaz e agia com grande diligência; muito pelo contrário de agora, quando perdeu toda a credibilidade e é manipulado, dos tribunais ao Supremo Tribunal, pelo Partido Republicano.
A utilização da cor e do preto e branco para separar a parte do filme que diz respeito à biografia do cientista e dos seus assistentes - a maioria deles posteriormente galardoados com o Prémio Nobel - daquela que se centra no desenvolvimento da bomba e na sua explosão, Permitiu ao espectador demarcar o pessoal do transcendental. Isto, através de uma cenografia de grande plasticidade que extraiu beleza do horror, tornando-o muito mais agudo. A atuação intensa de Murphy, retratando a vida de Oppenheimer desde os anos de estudante até os posteriores ao seu “triunfo”, cheio de arrependimentos e arrependimentos, manteve a atenção do público e serviu como fio condutor ao longo da narrativa fragmentada. Aqui os fracassos e conquistas científicas, a complexidade da sua relação com os casais que o acompanharam no dia e o assédio às organizações anticomunistas durante a época do macarthismo, ganharam relevo épico, fazendo do filme uma grande sinfonia sobre resiliência e genialidade. .
Outro filme onde estas qualidades se destacaram foi “Maestro” de Bradley Cooper, e embora tenha sido nomeado em diversas categorias, não ganhou nenhuma estatueta. Isso pode acontecer porque no seu conjunto o filme é percebido como forçado e exagerado em muitas das cenas, principalmente naquelas que dizem respeito à vida familiar do protagonista e naquelas em que ele aparece regendo a orquestra. Baseado nas memórias de sua filha, o filme destacou o pessoal dentro do círculo doméstico em detrimento do profissional, deixando de lado seu importante ativismo político e dando pouco espaço ao fato de ser gay, o que Leonard Bernstein abraçou apesar dos ciúmes e das recriminações de seus entes queridos.

Bradley Cooper, que também co-escreveu o roteiro e atuou no papel principal, recebendo uma indicação de melhor ator, agarrou-se demais ao livro, deixando de lado biografias mais exaustivas que retratam a complexidade do personagem, o que lhe teria permitido crie um perfil muito mais multidimensional. O excesso de maneirismos por vezes caricaturava o histrionismo do artista, subtraindo-lhe a autoridade, embora capturasse o drama de Bernstein e a sua luta para agradar aos que o rodeavam, mas sem perder o seu eu essencial. A utilização, como em “Oppenheimer”, do preto e branco e da cor para separar períodos e espaços, aligeirou o ritmo da história, acompanhando-a com um ágil trabalho de câmara que privilegiou grandes angulares e planos aéreos, nas cenas em que enfatizou a multifacetada natureza do artista e sua importância na música clássica e popular.
“Poor Things”, de Yorgos Lanthimos, nomeado para melhor realizador, foi outro dos filmes premiados, sobretudo em termos de produção e exibição visual, obtendo estatuetas de maquilhagem e cabelo, figurino e design de produção. Esta história com nuances góticas inspirada nos filmes de Frankenstein é centrada na história de Baxter (Willem Dafoe), um cientista que disseca cadáveres para reconstruí-los até criar Bella (Emma Stone, Oscar de melhor atriz), que exibirá suas artes sedutoras escravizando seu criador e destruindo seus futuros amantes.
Como alegoria da desintegração dos corpos, a diegese se apresenta como uma colcha construída com diversas peças que fazem sentido quando percebidas em conjunto. Isso confere ao filme seu sentido de irrealidade e fantasia, ao mesmo tempo em que destaca a bifurcação de personalidades dos personagens, que fazem sentido à medida que esse trabalho de costura e reconstrução é realizado. Referindo-se a Bella, o diretor afirma: “Ela nunca soube o que é vergonha, então ela é totalmente livre para oferecer sua mente, seus pensamentos, suas opiniões, seu corpo, o que for. “Este é um ser humano que tem uma chance no mundo, alguém que não foi moldado de uma forma muito específica para ser percebido de uma forma particular.”
Este modo de percepção teve a sua expressão mais precisa nesta edição dos Óscares com o filme “Anatomie d'une chute”, nomeado para melhor filme apesar de não ser um produto de Hollywood ou um filme americano. Dirigido pela diretora francesa Justine Triet, ganhou a Palma de Ouro em Cannes e indicações ao Oscar de melhor filme, direção e atriz (Sandra Hüller), vencendo na categoria melhor roteiro original. O julgamento de uma escritora de sucesso que mora com o filho em uma casa localizada em uma área deserta de montanhas, acusada de assassinar o marido atirando-o da janela de um sótão, concentra a ação e mostra o sexismo de quem busca acusar dela.
Na direção de Triet, a autora surge como alguém cuja vida circunstancialmente a deixa desconfiada, mas nada nela é conclusivo. Bebe mas não excessivamente, é distante mas não cruel, é bissexual mas a sua sexualidade não é agressiva como o procurador quer ver, ama o filho mas não o protege demasiado; E no fundo ela amava o marido mas a personalidade depressiva dele, os medos e frustrações, principalmente por ter um companheiro mais bem-sucedido, dificultavam a convivência. Algo que é mostrado na cena de abertura quando um jornalista vem entrevistá-la na casa dela e ele, enquanto trabalha no sótão, coloca a música bem alta para atrapalhar o desenvolvimento da conversa entre eles.

O uso da câmera subjetiva, dos grandes close-ups e da montagem fragmentária criaram grande empatia entre o escritor e o espectador, libertando a ação do tom melodramático e aproximando-a de filmes do gênero como “O Crisol” (1996). ) de Nicholas Hynter, “Dúvida” (2008) de John Patrick Shanley e “Bella” (2013) de Amma Asante. As circunlocuções do roteiro, desenhando paradoxos e duplos sentidos para aumentar a ambiguidade do personagem e instalar dúvidas quanto à sua culpa, mantiveram a atenção do espectador e deixaram o final em aberto para que cada um preenchesse as lacunas com suas próprias conclusões.
Outro filme cheio de enigmas foi “Ficção Americana”, indicado ao prêmio de melhor filme e vencedor do Oscar de melhor roteiro adaptado. A decisão de um autor e professor universitário afro-americano de escrever um romance com todos os clichês do gueto, para mostrar o racismo existente, torna-se o best-seller com o qual poderá financiar a residência de sua mãe e ajudar parentes menos afortunados . Tudo isto mantendo uma atitude crítica face à manipulação da população negra, por parte daqueles que procuram reduzi-la a um grupo de indivíduos com baixa escolaridade. e propenso a drogas e violência.
Este longa-metragem de estreia de Cord Jefferson, que se tem distinguido pela realização de séries televisivas, trouxe para o grande ecrã o estilo rápido e escalonado do género, criando diferentes planos de sentido e criando uma ficção sobre o tema do cinema dentro do cinema, de forma a dar-lhe ironia ao argumento. As vistas panorâmicas da paisagem emoldurando as dúvidas e contradições do escritor, perspicazmente interpretado por Jeffrey Wright, indicado ao prêmio de melhor ator, e a iluminação capaz de privilegiar cores quentes, conferiram um lirismo à diegese que contrastava com a violência contra o afro-americano. população, presente na sociedade norte-americana.
A cena final, escrita e reescrita, filmada e refilmada dentro e fora da ação, conseguiu resumir o conflito intrínseco às relações inter-raciais, presente mesmo quando os personagens pertenciam à classe escolarizada. Aqui a cor da pele acabou determinando o destino do protagonista, ao mesmo tempo em que revela a hipocrisia da população branca, na tentativa de agradar ou ser compreensiva com as lutas alheias. Nas palavras do diretor: “No filme você tem, por um lado, uma indústria que equaliza a vida dos negros, retratando-os como um grupo monolítico com estilo de vida e conjunto de histórias semelhantes. Por outro lado, encontramos a justaposição com esta família negra complexa e cheia de nuances que mostra a diversidade que existe dentro da comunidade.”
“Past Lives”, primeiro filme da diretora coreano-canadense Celine Song, indicado para melhor filme e roteiro original, retorna à fantasia de histórias de amor impossíveis, no estilo de “In the Mood for Love” (2000) de Wong Kar -wai, tecendo um afresco evocativo de imagens presentes e passadas na vida dos personagens. Aqui, dois jovens que partilharam a sua infância na Coreia reencontram-se nas redes sociais 20 anos depois. Ela, como escritora de sucesso, casada com um proeminente autor americano que mora em Nova York, e ele estudando engenharia em Seul após terminar o serviço militar.
As histórias vividas se cruzam com o momento atual para desenvolver uma história fluida onde os protagonistas se acomodam como se estivessem entre parênteses entre a vida anterior e a atual. Isto é realçado por uma banda sonora e cenários que destacam as duas culturas, cruzando-as. A experiência da imigração e a adaptação às novas realidades contrastam com o seu desejo de permanência e preferência pelo que conhece. E quando finalmente se encontram em Nova York, aqueles anos compartilhados na infância retornam com toda a intensidade, condensando-se nas experiências da vida adulta. Desta forma, o espectador é levado a refletir sobre os seus próprios afetos e como eles o marcaram ao longo da sua existência, proporcionando-nos o precioso momento cinematográfico, que com todos os seus altos e baixos, a cerimónia dos Óscares deste ano colocou mais uma vez em cima da mesa. . avançar.

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