Quando parecia que o Oscar não poderia afundar mais, a cerimônia deste ano mostrou que o fundo está muito mais longe do que se imaginava. Isso, não só pela atuação inesperada do indicado Will Smith dando um tapa no apresentador Chris Rock, mas também pela atuação absurda do outro trio de apresentadores, às vezes vestidos de personagens retirados do cinema e fazendo piadas de mau gosto até sobre a crise do covid-19. . Depois de uma cerimônia maçante e medíocre no ano passado, os organizadores provavelmente queriam voltar com uma noite mais iconoclasta e ousada; mas a atmosfera de intolerância dentro de um mundo cada vez mais polarizado transformou tal intenção em uma careta, refletindo o alto grau de disfuncionalidade global em que nos encontramos submersos.
Embora o elegante espetáculo de Beyoncé na abertura do show previsse certo retorno aos elaborados números musicais do passado, tais esperanças logo se dissiparam, diante das falsas tentativas de inclusão, especialmente da população de cor, ao escolher quatro afro-americanos entre os cinco .. apresentadores, dando ao rap uma preponderância sobre outros estilos musicais e armaram o cenário para a homenagem aos desaparecidos com um coral evangélico no estilo das igrejas batistas do Harlem. Tentativas que também foram truncadas com a exibição incomum de violência de Smith, que não fez nada além de dar novos argumentos ao racismo e dividir ainda mais as pessoas.
O triste momento de Liza Minnelli em cadeira de rodas e com sérios problemas cognitivos para anunciar o filme vencedor, uma sorridente Judy Dentch mostrando em primeiro plano o buraco onde deveria ter um implante, ou o trio envelhecido de "O Poderoso Chefão" liderado por um hesitante Francis Ford Coppola comemorando o cinquentenário de sua estréia, mostrou outro tipo de decadência que era obviamente desnecessária, pois não acrescenta, mas subtrai, as carreiras ilustres desses artistas e a ilusão de glamour hollywoodiano. Tudo isso dentro de um cenário mais típico dos prêmios da MTV do que da Academia; embora não seja surpreendente, dado o poder atual das plataformas de entretenimento sobre os grandes estúdios.
De fato, “Coda” foi amplamente divulgado por sua produtora Apple TV+, alcançando a estatueta de melhor filme sobre o favorito “O Poder do Cachorro”, Oscar de melhor direção apenas, o que não acontecia desde “A Graduação” ( 1968), já que é quase de rigueur que direção e filme sejam premiados conjuntamente. Isso evidenciou a grande influência dessas plataformas em divulgar agressivamente os filmes onde têm interesse, apesar de, ao contrário dos grandes estúdios, carecerem de tradição e cultura cinematográfica, privilegiando o comercial em detrimento da qualidade. Nesse sentido, o filme vencedor é uma obra menor, dentro do estilo de produções como “Filhos de um Deus Menor” (1986) de Randa Haines, cuja protagonista, vencedora do Oscar de melhor atriz na época, interpretou a papel de mãe surda e muda da heroína. Também aqui a questão da deficiência centrava um argumento sustentado na apologia dos valores da família americana, altamente desvalorizados dadas as enormes deficiências emocionais existentes em seu núcleo, e o comportamento cada vez mais intransigente, xenófobo e homofóbico de grande parte do país.
Sian Heder, nova diretora com apenas um longa-metragem em seu currículo, “Tallulah” (2016) produzido pela Netflix, representa essa nova geração de cineastas promovida pelas plataformas digitais. Embora não tenha sido indicado na categoria de melhor direção, também ganhou o Oscar de melhor roteiro adaptado, neste remake de “La Famille Bélier” (2014) de Éric Lartigau, premiado na França; outro filme comercial igualmente apoiado na manipulação emocional do espectador e no empoderamento dos deficientes. “Coda”, oscilando entre comédia e melodrama, procurou repetir a façanha, propondo uma série de situações, em sua maioria banais e previsíveis, mas que confortavam a psique danificada de um público submetido a três anos de pandemia, em um mundo desestabilizado. e cataclismos de todos os tipos.
Um filme que não fez concessões e está entre os melhores que Hollywood produziu nos últimos anos foi “O Poder do Cachorro”, de Jane Campion, Oscar de melhor direção e com 12 indicações no total. Livra minha alma da espada. Do poder do cão minha vida. Salve-me da boca do leão. E livra-me dos chifres dos búfalos”, aponta o Salmo anglicano que inspirou o título. “Pessoas moralmente impuras são chamadas de cães. A lei que Deus deu a Israel dizia: 'Você não deve introduzir o aluguel de uma prostituta nem o preço de um cachorro (prostituta)'…. Todos aqueles que, como cães vadios que se alimentam de miudezas, praticam coisas repugnantes, como sodomia, lesbianismo, depravação e crueldade, estão proibidos de entrar na Nova Jerusalém”, continua o “Livro de Oração Comum”.

O filme de Campion esmagou tais preconceitos, tecendo um extraordinário afresco de emoções, sensações e reações construídas como uma grande sinfonia; e onde todos os instrumentos —roteiro, direção, interpretação, cinematografia, trilha sonora— foram acoplados em uníssono para oferecer ao espectador um espetáculo único e inesquecível.
Baseado no romance homônimo de Thomas Savage, o filme captou em detalhes a essência do texto, aproximando as duas mídias até que um diálogo constante se estabelecesse. Vale destacar aqui as excelentes atuações de Benedict Cumberbatch, como o caubói solitário e violento com medo de que sua homossexualidade seja descoberta, indicado a melhor ator; Jesse Plemons, no papel do irmão que busca manter o equilíbrio do rancho e do irmão, indicação de melhor ator coadjuvante, Kodi Smit-McPhee, como a adolescente tentadora e diabólica, indicada na mesma categoria, e Kirsten Dunst, em o papel da mãe instável do menino, indicação de melhor atriz coadjuvante. O trabalho em equipe perfeito moldou o roteiro intenso de Campion, indicado para Melhor Roteiro Adaptado, mantendo a tensão e a atenção do espectador ao longo do filme.
Uma cenografia impecável, focada nos planos espetaculares das paisagens desoladas e solitárias, emoldurou o desenvolvimento de personagens vivendo seus respectivos dramas na solidão, e interagindo na forma como essas solidões se encontram, mas não conseguem construir uma existência comum, sejam irmãos, amigos, amantes, pais ou cônjuges. Aqui a maestria de Campion em criar situações extremas onde o erótico, o cruel, o desesperado e o inesperado se combinam, foi posta a serviço da desmistificação do western, quebrando os estereótipos do modo como "Brokeback Mountain" (2005) de Ang Lee alcançado na época.
"Belfast", de Kenneth Branagh, Oscar de melhor roteiro original, acabou sendo outro filme icônico com muito pouco reconhecimento nos prêmios, apesar de suas 7 indicações; embora seu impacto nesta conjuntura de terror global, desencadeado em níveis não vistos desde a Segunda Guerra Mundial, já o tenha tornado um clássico. Isso, dada a inteligência e sensibilidade com que o diretor abordou outro longo e brutal conflito: o da luta armada entre católicos e protestantes na Irlanda do Norte, impulsionada pelo nacionalismo extremo.
O filme, no entanto, não mergulhou obsessivamente na conflagração, mas privilegiou a resiliência dos grupos mais vulneráveis, mulheres e crianças, seguindo suas rotinas em meio a um cotidiano permeado pelo ódio e pela cegueira causada pelo fanatismo. A cuidadosa fotografia em preto e branco e o ágil trabalho de câmera, que privilegiaram os planos amplos das barricadas nas ruas e os confrontos insensíveis entre vizinhos que cresciam nos mesmos bairros, constituíram o cenário ideal para acentuar o trabalho poderoso da atuação de Caitriona Balfe — surpreendentemente não nomeação; embora papéis muito fracos, como o de Penélope Cruz em “Mães Paralelas”, de Pedro Almodóvar, foi reconhecido com uma indicação para melhor atriz. Judy Dench e Ciarán Hinds ganharam indicações para melhor atriz e melhor ator coadjuvante, respectivamente, interpretando os avós de Buddy (Jude Hill), o garotinho perceptivo através de cujos olhos o espectador pode acompanhar o desenrolar da diegese.
Como alter ego do próprio Branagh, o personagem de Buddy o levou a retornar às suas próprias memórias e recuperar as pequenas histórias de personagens muito próximos que, em seu otimismo e valores inclusivos, desafiaram a manipulação das vontades e o ódio daqueles que buscavam semear o terror, estimulado por ressentimentos, frustrações e vinganças. A bravura sob pressão, para avançar em meio ao caos, permitiu que os membros dessa família não desistissem para se proteger e se proteger. Em suas palavras: “Quando você vive em alerta máximo, quando sua família e todos ao seu redor se transformam em violência, todo o resto aumenta e se torna extremamente precioso”.
Indicado a melhor filme —o primeiro da filmografia japonesa—, direção e roteiro adaptado, “Drive My Car”, de Ryusuke Hamaguchi, ganhou o Oscar de melhor filme estrangeiro. Baseado em uma história de Haruki Murakami, conta a história de um ator e diretor de teatro e da jovem que lhe foi designada como maestrina, quando ele vai a Hiroshima para montar uma produção do tio Vanya de Chekhov. A sensação de perda e falta de incentivo dos personagens da peça foi transferida para os protagonistas do filme, cujas vidas se cruzaram emocionalmente, pois ambos vivenciaram a perda de alguém que motorizou suas vidas.
A morte repentina da esposa do diretor o leva a fugir dos lugares compartilhados, e a morte da mãe em um acidente obriga a jovem a deixar sua casa e começar uma nova existência longe do que se conhecia até então. Na direção de Hamaguchi, as rodovias, rodovias e ruas por onde circulam — ele ensaiando as falas da obra, ela o escutando em silêncio atenta à estrada — tornaram-se parte integrante da diegese, dando-lhes o espaço de tempo necessário para amizade germinar e dar frutos. O uso de close-ups e close-ups em um jogo de tiro contra tiro criou a intimidade necessária no espaço reduzido do carro; e os planos elevados captando a paisagem por onde rodavam, produziam o contraste entre o espaço físico do carro e o espaço mental onde cada um estava imerso durante a viagem.
Ao se mudarem para a cidade da jovem, onde ocorreu o acidente, o drama se fecha, permitindo que ambos encerrem o duelo e a culpa que os dominou até então. Isso, sem explodir o drama, mas mantendo-se contido, seguindo o ritmo vagaroso dos acontecimentos, muito ao estilo do diretor Wong Kar-wai; embora aqui o desenvolvimento romântico da relação mal tenha sido notado na cena final, quando a jovem voltou do mercado com o cachorro do diretor em seu carro, mas sozinha, talvez com ele esperando por ela na casa agora compartilhada por ambos. O final aberto deixou, assim, espaço para especulações, permitindo ao espectador preencher as lacunas com seus próprios medos e desejos, enriquecendo e multiplicando o efeito transformador do filme.
Licorice Pizza, de Paul Thomas Anderson, indicado a melhor filme e diretor, entre outros prêmios, não ganhou uma estatueta, embora tenha se destacado por retratar a amizade entre dois adolescentes no início dos anos XNUMX. Gary (Cooper Hoffman, filho do falecido ator Philip Seymour Hoffman) e Alana (Alana Haim, conhecida por seu grupo de rock Haim) dividem o ensino médio na descontraída atmosfera californiana da época, com Gary como um empreendedor intrépido propondo Alana para participar de suas aventuras no mundo dos pequenos negócios da região.
Uma fotografia e uma cinematografia muito ajustadas ao tempo espelhavam a energia e a estética de outro filme de Anderson, “Boogie Nights” (1997), embora aqui fossem as aventuras de dois jovens descobrindo o mundo e descobrindo um ao outro que constituíam o plot point . O uso da câmera subjetiva e a montagem fragmentária deram um ritmo às cenas, em sintonia com os desdobramentos de uma geografia e um momento em que se respirava a liberdade dos anos sessenta, mas as forças que levariam ao conservadorismo dos anos oitenta ainda não haviam pegou. .
Outro filme que voltou ao passado recente foi a versão de "Rei Ricardo" do diretor Reinaldo Marcus Green. Situado em 1994, narra a ascensão ao estrelato das tenistas Venus e Serena Williams. Will Smith, no papel do pai das jovens, ganhou o Oscar de melhor ator, no papel de um homem gentil, tolerante e inclusivo, que foi desmentido por sua atuação agressiva e rude em tempo real durante a cerimônia da Academia.
As lutas para separar os adolescentes da vida de rua e focar em suas carreiras, dentro de uma sociedade que dificulta a ascensão da população não branca, obtiveram um desenvolvimento preciso, embora o caráter complacente e manipulador do roteiro tenha fragilizado essa produção. Os altos e baixos do casal, as dificuldades em manter o equilíbrio entre a família e o profissional e as hostilidades dentro de um mundo tão competitivo e lucrativo, foram intensamente explorados a partir da tensão racial e pessoal, assim como o diretor havia mostrado em seu primeiro filme. . filme “Monstros e Homens” (2018). Isso, como corolário de uma realidade onde a ascensão e queda podem se suceder rapidamente, como infelizmente o Oscar deste ano mostrou.